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Compte rendu stage photo de Capucine – Entreprise CapFood
Salut Capucine !
J’espère que tu vas bien ! Je voulais te faire un petit récapitulatif complet de notre session de formation de l’autre jour, parce que je sais que tu prends beaucoup de notes et que ça va t’aider à structurer tout ce qu’on a vu ensemble. Déolé pour le délais j’avais 5H d’audio à retaper, même avec de l’IA pour condenser.. ca fait du boulot 🙂
DÉVELOPPEMENT DE TON IDENTITÉ VISUELLE
Ce qu’on a abordé du coup sur la direction artistique, c’est vraiment le cœur de ton évolution photographique. Après 10 ans de pratique, je me suis rendu compte que le plus important n’était pas la technique pure, mais de développer une cohérence visuelle qui nous ressemble vraiment.
Le processus que je t’ai expliqué, c’est exactement celui que j’ai vécu : pendant des années, j’avais cette frustration où chaque mariage avait une “gueule” différente. C’était techniquement correct, mais il manquait cette signature qui fait qu’on reconnaît ton travail au premier coup d’œil.
Ma révélation est venue en découvrant cette photographe italienne de mariage – ses couleurs de peau étaient parfaites, ses bleus sublimes, sa palette colorimétrique fonctionnait à tous les coups. C’est là que j’ai compris qu’il fallait que je développe mes propres “tables de couleurs” plutôt que d’utiliser des presets commerciaux qui, soyons honnêtes, sont souvent décevants. Ces vendors te montrent des avant/après où ils dégradent volontairement l’image originale pour que leur preset paraisse miraculeux !
Le concept d'”abattement” que je t’ai expliqué est crucial : c’est cette capacité à réduire volontairement l’intensité de nos retouches pour éviter l’aspect sur-traité. Comme en cuisine, quand tu mets trop d’épices, c’est bon mais il y a trop d’épices ! Le niveau supérieur, c’est quand tu en mets juste assez. Si toi-même tu réduis tes propres effets, alors le spectateur lambda ne verra jamais que c’est retouché, mais sentira que “les couleurs sont chouettes” et aura l’impression que c’est naturel.
TECHNIQUES PORTRAIT AVANCÉES
Portrait extérieur avec flash déporté
On a vraiment creusé cette technique aha ! La position du flash à 45° (placement en “corne du diable” comme je l’appelle) est fondamentale. Cette géométrie permet d’avoir une belle modélisation du visage sans créer d’ombres disgracieuses.
Pour les reflets sur vitrines, le filtre polarisant fonctionne, mais JAMAIS de face – toujours en biais (même 5-10° suffisent) parce que le polarisant agit sur la lumière qui vient du côté, pas frontalement.
Les réglages qu’on a validés en plein soleil : ISO 100, F2.5, 1/8000e avec le flash cobra au maximum et la synchro haute vitesse (HSS) activée. Sans HSS, ton appareil est limité au 1/250e et tu as ce fameux effet de “rideau” sur l’image.
Le problème qu’on a identifié avec ta softbox de 55cm, c’est que le haut de la tête sera plus lumineux que le bas à cause de la petite surface de diffusion. Avec une plus grande softbox (80cm ou plus), cet effet serait atténué.
Portrait intérieur avec éclairage mixte
Le rolling shutter qu’on a évoqué, c’est ce phénomène relativement chiant où les néons créent des zèbres sur tes images. Ça arrive parce que l’éclairage LED/néon n’est jamais vraiment continu – il pulse à très haute fréquence (imperceptible à l’œil) mais ton obturateur le “capture” et crée ces bandes.
Dans tes cuisines avec éclairage jaune pourri, la solution c’est effectivement le flash pour corriger la balance des blancs, surtout pour tes portraits de chefs et d’équipes. Le flash te permet de maîtriser complètement la colorimétrie de la peau.
WORKFLOW TECHNIQUE ET MATÉRIEL
Gestion des fichiers et sécurisation
Ton système actuel (SSD + Dropbox) fonctionne pour ton volume, mais si tu développes l’activité portrait/mariage, le NAS RAID que je t’ai montré devient indispensable. Le RAID permet une redondance automatique : si un disque lâche, tes données sont sécurisées sur les autres. Une fois que le prpjet est vieux libre à toi de le balancer dans un drive.
Le modèle que je t’ai montré (environ 140€-250€ de base) est parfait pour commencer. L’avantage, c’est que tu peux le trimballer ou laisser chez toi facilement et avoir plusieurs modes de sauvegarde selon tes besoins.
Cartes mémoire et configuration
Ta CF Express 330GB est excellente – bien plus fiable que les anciennes cartes SD plastique. Le système RAW sur CF Express + JPEG sur SD que tu as mis en place, c’est une sécurité intéressante, même si personnellement je ne fais que du RAW.
Le vrai risque, comme je te l’ai dit, c’est rarement la défaillance matérielle (quoique…) mais l’erreur humaine. Moi, toutes mes “merdes” ont été des erreurs de manipulation, jamais des pannes de cartes (SD sauf usure les cartes SD sont en obsolescence d’usure programmée).
Réglages boîtier Canon R5
Point crucial : jamais de réglages à zéro sur netteté/contraste/saturation ! Ton boîtier a besoin d’un minimum (+1/+2) sinon tes photos manquent de piqué natif. C’est logique : si tu demandes zéro traitement, tu obtiens zéro netteté.
Le +14 automatique sur la nuance vers le violet, c’est spécifique à Canon – c’est un réglage par défaut du profil couleur qu’on peut corriger dans les menus de style d’image.
POST-PRODUCTION AVANCÉE
Bracketing HDR
La technique -3/0/+3 stops qu’on a pratiquée est indispensable pour tes photos d’intérieur de restaurants. L’idée, c’est de récupérer toute la dynamique disponible puis de masquer localement pour équilibrer.
Dans Lightroom, la fusion automatique fonctionne bien, avec corrections de décalage si nécessaire (surtout si tu as légèrement bougé entre les prises).
Séparation de fréquences
Cette technique Photoshop qu’on a vue te permet de séparer couleurs (calque flou gaussien) et textures (calque lumière linéaire). L’avantage énorme, c’est que tu peux retoucher la peau sur le calque couleur sans affecter les textures, et vice versa.
Le raccourci F10 lié a une automatisation personelle que je t’ai donné automatise le processus. Pour la retouche localisée, utilise l’outil pièce ou tampon sur le calque couleur, jamais les outils automatiques qui cassent la séparation.
La technique des reflets blancs (enlever le GREASE) : nouveau calque en mode “couleur plus foncé”, tu prends la couleur adjacente au blanc et tu peins dessus avec un pinceau à faible opacité (20-50%). Ça adoucit énormément le visage de façon naturelle.
Lightroom workflow optimisé
Correction de perspective : obligatoire sur tous tes portraits, même subtils. Les boîtiers sont toujours légèrement déformés à cause de l’optique.
Méthode d’exposition : j’expose toujours mon sujet “à blanc” – niveau blanc papier. Si tu as des dents blanches ou un bouton blanc sur le sujet, ils doivent être au niveau du blanc du papier, pas en-dessous. C’est ma référence pour Instagram aussi : une photo trop sombre paraît “loin” dans le feed.
Le décontrastage du fond par masquage permet de détacher naturellement le sujet. Je rends le fond plus “laiteux” sans toucher au sujet qui garde son contraste normal. Quelques pourcents suffisent.
GESTION COULEURS ET DIRECTION ARTISTIQUE
Tables de correspondance couleurs (LUT)
C’est là qu’on va devoir approfondir ensemble ! Les tables .cube ou .3DL dans Photoshop permettent de créer une identité colorimétrique cohérente. Contrairement aux presets Lightroom, les LUT transforment véritablement la couleur selon une logique mathématique précise.
Le workflow que je t’ai montré : développement de base dans Photoshop, application d’une table de correspondance de couleur, puis export en preset XMP pour réutilisation dans Camera Raw. C’est plus technique que les presets commerciaux, mais infiniment plus cohérent.
Je te passe une belle sélection que j’ai faite pour toi de presets Lightroom avec LUT intégrées à tester de ton côté, que je trouve pas mal (à utiliser toujours à 10-15%) mais je pense qu’il y a de belles surprises… Attention car c’est en fonction des scènes… La plupart conviennent à une scène spécifique ! LA VOICI
Analyse de tes références stylistiques
Les photographes que tu m’as montrés ( tout comme notamment ma photographe italienne) travaillent effectivement avec des tons chauds/bruns et une désaturation partielle des bleus/cyans. Ils utilisent aussi beaucoup le grain ajouté pour cet aspect authentique/pellicule.
Le problème, c’est qu’ils ont tous leurs tables de couleur propriétaires. C’est pour ça qu’on va devoir développer la tienne !
PHOTOGRAPHIE IMMOBILIÈRE/ARCHITECTURE
Technique bracketing avancé (Bracketing d’expo, calculé en stop)
Pour tes photos de salles de restaurant, minimum 3 expositions, jusqu’à 10 selon la complexité lumineuse. Le masquage manuel Photoshop pour les fenêtres sur-exposées est incontournable – on peut même remplacer les fenêtres par des prises de vues extérieures dédiées.
L’outil pinceau masquage automatique permet d’égaliser la luminosité globale de la pièce. L’idée, c’est que tout soit au même niveau lumineux, sauf les éléments qu’on veut volontairement détacher.
MATÉRIEL ET CONFIGURATIONS
Éclairage mobile
Ton Godox V860III est parfait avec ses 2h d’autonomie. La softbox parapluie 55cm + nid d’abeille donne cette directivité qu’on cherche. Le réflecteur 5-en-1 est vraiment l’outil polyvalent indispensable pour tes déplacements.
Objectifs et rendus morphologiques
Le 200mm que j’adore pour les portraits compresse et affine les visages – beaucoup plus flatteur que le 24-50mm qui élargit. Le 85mm F1.2 reste le standard portrait (compromis qualité/distance), mais le 200mm donne des résultats extraordinaires si tu as la place (8-10 mètres de recul).
L’effet morphologique qu’on a regardé : plus tu es proche, moins tu vois les “côtés” du visage. Plus tu es loin et tu zoomes, plus tu vois les côtés mais avec une compression flatteuse. C’est pour ça que je préfère le 200mm !
L’outil DOF (Depth of Field Simulator) en ligne est génial pour ça !
Cet outil permet de simuler et visualiser la profondeur de champ avant même de prendre la photo. C’est particulièrement utile pour :
- Anticiper le rendu du bokeh (zones floues) en fonction de l’ouverture choisie
- Calculer précisément la zone de netteté selon la distance du sujet, la focale et l’ouverture
- Optimiser tes réglages pour obtenir exactement l’effet voulu (sujet isolé avec arrière-plan flou, ou au contraire grande profondeur de champ pour un paysage)
- Gagner du temps sur le terrain en sachant à l’avance quels réglages utiliser
C’est un vrai gain de temps en planification, surtout pour les portraits où tu veux isoler ton sujet, ou pour les photos de groupe où tu dois t’assurer que tout le monde soit net. Tu peux tester différentes combinaisons focale/ouverture/distance sans même sortir ton appareil !
PROCHAINES ÉTAPES
On a identifié que ton besoin principal, c’est de développer tes propres tables de correspondance couleurs pour avoir cette cohérence stylistique qu’on cherche, ou de faire tes propres MIX artistiques !
Télécharge les presets et les fichier que je t’ai mis plus haut vont t’aider pour ça ! Tu verras y’en a un ou deux sui sortent du lot tu me diras ce que tu en penses.
D’ici notre prochaine session, tu peux :
- Tester la séparation de fréquences sur quelques portraits
- Expérimenter le bracketing HDR sur tes intérieurs
- Chercher des LUT gratuites correspondant à ton style visé
J’ai vraiment hâte qu’on approfondisse tout ça ensemble ! Tu as déjà une excellente base technique, maintenant on va développer ta signature artistique pour que tes photos soient immédiatement reconnaissables.
N’hésite pas si tu as des questions sur un point particulier – Je sais qu’on a abordé énormément de choses !
À très bientôt pour la suite de l’aventure ca ne s’arrête pas là ! 📸
Nicolas
